Esta página fue creada con el objeto de aprobar el taller de "DATOS" pero no todas las creaciones se desarrollan por lo que fueron concebidas...
Estas son algunas de las páginas que me ayudaron a realizar este trabajo:
www.lajiribilla.com
www.conelarte.com
www.arteando.com.ar
www.aransite.com.ar
www.artedeaguado.8m.com
www.clarin.com.ar
Bibliografía:
Para este Tabajo Práctico utilicé el material de lectura obligatorio de la cátedra: Unidades 1 a 4
Esta es mi propia versión del arte digital
"hablar de arte digital es reflexionar sobre el arte y sus complicaciones filosóficas: definir sus límites, sus alcances y su esencia. Hoy, acercarnos al arte digital, implica contemplar una amplia gama de productos objetuales y virtuales que están redefiniendo la forma en la que vemos y pensamos el mundo, aún cuando no sean aceptados como ARTE."
Mónica Mayer, Méjico
A través de este trabajo nos fuimos acercando al arte digital tanto como novedad estética como en calidad de forma de expresión latinoamericana. En esta última sección propongo dar un giro y observar al arte digital latino desde la negativa, críticamente, no para desmerecerlo sino para ubicarlo en el marco global que es producto de estas nuevas tecnologías y modifica, de manera sustancial, nuestra identidad y la relación que desarrollamos con las tecnologías.
Una perspectiva diferente
Las artes plásticas y audiovisuales han catalogado un arte latino que desarrolla una conciencia social autóctona, expresando su propia visión de la realidad, singular y diferente del resto. También afirmamos que existe un mercado de arte latino, con unos canales de difusión y una dependencia económica específica, de algún modo independiente de los parámetros hegemónicos. Pero creemos que se puede pensar al arte latinoamericano de una forma distinta y que existen, de hecho, razones que justifican este cambio de perspectiva. Hablamos, en un marco más amplio, de buscar las marcas de la ausencia, las rendijas que hacen que se cuele la "cultura dominante de la Aldea Global" en el discurso y el formato digital latino. ¿Hasta que punto son latinos los artistas que presentan sus páginas completamente en inglés o se hacen llamar
Brian Mackern, retroyou o Technologies to the People, por ejemplo? ¿Qué cultura comparten?
Desde esta particular visión queremos ampliar, para una mayor comprensión del tema, los conceptos acerca de la especificidad del arte digital latino en el mundo, especialmente en Internet.
La Red es un entorno concebido como el paraíso del no-lugar, el medio globalizador por excelencia, por lo tanto pierden consistencia, en Internet, nociones como arte latino, etnia, territorio o nación ya que quedan ajenas a la propuesta (que si tienen en común tanto los artitas latinos como todo el que se acerque a este medio) de una meta cultura que el imaginario de la red genera.
La primera impronta de globalización se detecta en esos trabajos realizados íntegramente en inglés a los acabamos de hacer referencia. La elección de esa lengua obedece a una simple cuestión de difusión masiva; es decir, se trata de obras que no están orientadas específicamente a un público latino, sino a todo el público (que sea capaz de leer inglés, claro). Pero esta iniciativa no sólo va dirigida a ingleses o norteamericanos, sino a todos aquellos que también tienen sus páginas traducidas al inglés como segundo idioma. Así pues, la cuestión reside en determinar hasta que punto los autores han escogido libremente esta opción o se ven obligados a hacerlo y reflexionar acerca de cual es el cambio que esa situación está produciendo en nuestra forma de percibir, pensar y comprender el mundo. Se pude agregar que la lengua inglesa no es el único condicionante que puede determinar la universalidad de las obras. En ocasiones, algunos autores deciden centrarse en el lenguaje específico de la programación pero sobre esto no ahondaremos en detalles ya que no contamos con los conocimientos necesarios para comprenderlo.
A pesar del categórico condicionante del idioma, la cultura global de Internet se está construyendo día a día a partir de una peculiar bipolaridad: a partir de las aportaciones diferenciales de cada cultura y a partir de apropiación y resignificación que cada cultura hace de todo aquello que encuentra en la red. En este medio, no sólo se ha dado el probado hecho de exportación y universalización de los modelos culturales de las sociedades avanzadas -y de EEUU en particular- al resto de culturas, también se ha conseguido el camino opuesto; es decir, también se está volcando a la red el imaginario específico de cada cultura, sus signos de identidad, de manera que la contaminación se está produciendo en ambos sentidos. Al colonialismo cultural norteamericano se le opone una resistencia que es inherente al propio funcionamiento de la red: la comunicación siempre fluye por lo menos en dos sentidos, de ida y de vuelta. La mezcla resultante de todas estas referencias culturales no se reduce a la suma de las partes, sino que se transforma algo mucho más complejo y "diferente", la cultura glocal. El seguidor de McLuhan, de Kerkhove, reflexiona sobre los efectos que produce la aldea global y, entre ellos el hecho de que la escala en que nos movemos cambia, se modifica, hay menos espacio para movernos en una aldea que en una cuidad, a medida que aumenta nuestra conciencia global, más conscientes y celosos nos volvemos respecto a nuestras identidades locales y de ahí la paradoja de la aldea global. Lo hiperlocal se hace complemento necesario de lo hiperglobal. Se refuerza la idea de que una cultura global se construye a partir de las aportaciones locales.
Para acabar de desbaratar esa idea de identidad nacional vinculada al arte, debemos incurrir en las facilidades que proporciona el medio a la hora de mantener el anonimato. Muchos autores se esconden en un alias por diversas razones: pretenden eludir su protagonismo de artista-estrella y hacer hincapié en la obra antes que en su persona (utilizar nombres que designan a grupos, como Technologies to the People). Esta actitud también responde a la voluntad de otorgar una mayor responsabilidad al espectador en su tarea de interpretación de la obra. En otros casos, se trata de adoptar una nueva identidad incontaminada que diluya las connotaciones nacionales, geográficas o culturales de su verdadero nombre y que les permita operar al margen de prejuicios y/o clasificaciones. Si bien ninguna de estas intenciones logra eliminar definitivamente al autor, ni conseguir un verdadero anonimato, sus actitudes permanecen como testimonio de una postura ética que todavía cuestiona la noción de autoría asentada desde el Renacimiento.
Por último, resulta imposible hablar de un arte autóctono cuando el elemento común a todos estos trabajos es la utilización del recurso de la apropiación. Apropiación de imágenes, de textos y de sonidos, de webs y de software ajenos, de logos corporativos, etc. Se trata de la problemática del libre acceso a la información mientras se arrasan con los derechos de la propiedad intelectual a nivel contenidos (son entrar en el mundo del código). Tomaremos un proyecto del grupo brasilero "O Cangaço do Santo File" (http://www.globaldrome.org/santofile/gun/) que se apropia de diferentes imágenes famosas del imaginario de los mass-media y pretende, al combinarla con sonidos, texturas y otras técnicas visuales, perturbar definitivamente su significado. Retoma, en el idioma hegemónico, expresiones como "teletrabajo", "sociedad de la información" o "transculturalidad", que se usan en un contexto donde se les priva de todo significado, convirtiéndose expresiones que no transmiten ninguna información. Al descontextualizarlas a través de la red semántica de G.U.N., Santo File espera conseguir que los visitantes reelaboren su gramática y su significado desde su propio punto de vista. Solo aconseja: "Navega libremente por las páginas de G.U.N. y reinterpreta sus significados". Este es uno de los trabajos que mejor se adecua a la idea de arte global aquí desarrollada, pero que paradójicamente lo hace cuestionando el significado de una serie de expresiones (New Cultural Order, Corporation, Entertaiment, Teleworking, Teleartist, Globalization, Leisure, Service, Industry, Explotation) e imágenes representativas de esa pretendida cultura global que ostentan las corporaciones de la sociedad de la información.
Así, podemos concluir afirmando que el considerado arte digital latino, como toda reducción y casillero, no debe determinar las posibles maneras en que se manifiestan los artistas en el marco del fenómeno de globalización. Es cierta la particularidad pero también el anclaje con los fenómenos macro debe realizarse. Considero que para cualquier aproximación a un objeto, en este caso el arte digital en Latinoamérica, se debe hacer una síntesis entre lo micro y lo macro, lo local y lo global, principalmente en lo que respecta al entorno de Internet donde esto es una moneda corriente con la que nos hallamos al conectarnos con este pequeño gran mundo.
Alejandro Aguado es un artista que trabajó desde joven en el ámbito de la historieta y la ilustración. Nacido en la Patagonia, tuvo un importante desarrollo en distintos diarios y revistas de Chubut. Su ligazón con el arte digital es reciente y se combina con su afición por la fotografía. Ha llegado a exponer en el Centro Cultural Recoleta en 1999. Sus obras y más información sobre él y sus trabajos se pueden encontrar en su página:
http://artedeaguado.8m.com
La siguiente entrevista fue realizada vía e-mail donde, además se incluyen algunas obras del autor con sus comentarios
¿De que manera accedés al trabajo artístico digital?
Bueno, yo crecí en la gráfica, siempre dibujé y me interesé por la historieta y los dibujos. Trabajé de eso desde que tenía veinte años y, a medida que fui conociendo técnicas, fui experimentando con algunas pinturas sobre tela, aunque no me atrapaban como el dibujo. Creo que el interés por el arte digital se me despierta cuando me metí en el tema de la fotografía. Ese campo y el de las computadoras, que siempre me gustó, se combinaron y de ahí agarro para el lado de la modificación de imágenes.
¿Qué diferencias encontraste con respecto a otras formas de expresión?
Y, principalmente, el hecho de que se encuentren en un solo lugar muchas de las cosas que me gustan como la fotografía, las computadoras y el dibujo. Además, con respecto a otras formas de expresión, a mí me resulta más divertido y dinámico el hecho de contar con una PC que ponerme a pintar un lienzo donde mezclar colores, texturas y formas se hace más engorroso. Esto desde mi visión, no desmerezco, ya que las admiro, a las pinturas y demás obras.
¿Cuál es la relación con el público, teniendo en cuenta, por ejemplo, el tipo de vínculo que propone la historieta?
No se si es muy distinta en tanto como ellos se encuentran con las obras, al fin y al cabo terminan observando. La historieta tiene un poco más de novela, la imagen es poética en ese sentido, explota otras sensaciones en el espectador. Lo que radicalmente se modifica al emplear Internet como la sala de exposiciones permanente de mis obras, es, primero, el alcance. Muchísima más gente se encuentra con tus trabajos, al principio era increíble encontrar un mail de Portugal, alguien que, andá a saber porqué, se metió en alguna página donde se encontró con mis trabajos y decidió expresar lo que sentía al verlas. También, por la misma razón se abre el juego, el público ya no es tan selecto, se apunta a un espectador que puede ser cualquiera, ahí se parece a la historieta ya que siempre fue para el público en general.
¿Qué opinión tenés del arte digital latino?
Es algo que creció rápido y a la par que lo hizo Internet, sobre todo en los últimos diez años. Se puede acceder a muchos trabajos y muy buenos, también el contacto con otros artistas es más fácil por medio de la red. Tengo varios conocidos en España y México. Nosotros tenemos menos cantidad de obras, a comparación con Europa, pero de a poco se abren caminos de expresión y creo que el futuro es optimista en ese sentido.
¿Cómo podrías definir tu trabajo?
Mi trabajo vendría a ser una especie de conjunción de ideas y técnicas, tomar elementos de distintos orígenes (fotos que yo saqué, imágenes de revistas) y re significarlos pasando por mi filtro de manera que sean luego expresión de mi persona, algo nuevo, no se si mejor, pero personal.
Las mujeres desnudas como parte de los elementos, o interactuando con el entorno provienen de la influencia de las ilustraciones de las tapas de la desaparecida revista Fierro. Las fotos las tomé del paisaje de la Patagonia.
Latinoamérica se expresa
Las obras abundan y se reproducen en la red, es rica la producción tanto en cantidad como en la diversidad de los trabajos y se hace difícil encontrar ciertas regularidades en un territorio tan vasto, pero, sin dudas, hay muchos elementos en común entre quienes apuestan por este tipo de expresión. Sin intentar realizar un análisis detallado, ya que no contamos con los conocimientos necesarios para ello, intentaremos encontrar índices comunes entre las obras observadas.
Dos grandes polos se presentan como dominantes en cuanto a las temáticas elegidas: la mujer y la interactividad. Esta última, ya revisada en los párrafos anteriores, se repite y, mayormente, apunta a profundizar la relación del espectador con el artista. En tanto la figura de la mujer, sin duda excede el ámbito del arte digital ya que es, sin temor a exagerar, una de los temas más "inspiradores" de la historia del arte (sino el mayor) y se aborda, en este caso, en tanto afectada por la realidad latinoamericana (es signo de erotismo pero también víctima de violencia y discriminación).
En cuanto a las texturas y técnicas aplicadas, se dificulta encontrar regularidades pero es un recurso muy usado el de la fotografía alterada y re-texturizada (quizás para impregnarla de la dimensión táctil de la que carece). También los contrastes (de colores y formas) resaltan formas y contenidos. Por último el reciclado de imágenes es muy utilizado en diseños que parten de fotografías para lograr efectos de distorsión sobre la realidad.
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Esta obra de Jorge Espinosa (Ecuador) habla de la necesidad de reflexionar sobre la pasividad del observador que elude la posibilidad de actuar, no solo ante el fenómeno artístico o mediático sino también ante la realidad.
El artista y ¿su obra?
La llegada del, también llamado, arte numérico no solo afectó el ámbito de las producciones artísticas sino que además modificó la relación artista-obra-espectador. Se destacan en las producciones artísticas latinoamericanas y los comentarios de sus creadores, referencias de una mayor interacción entre el artista con su obra y, ambos, con el espectador.
En cuanto a la relación del artista y su obra, la capacidad que brinda el medio digital permite, no solo crear piezas, sino (y esto es algo muy utilizado) modificarlas, añadirle texturas y colores, superponer elementos varios (el llamado reciclaje de imágenes, que expresa al máximo la figura del collage). A esto, debemos sumarle el cambio de perspectiva que supone la autoría de una obra digital (tema de debate y de roce con el resto de el arte "de autor"), hecho que cambia radicalmente el paradigma de la producción artística cuestionando las bases filosóficas de sus límites y alcances. ¿Quién es el autor de esta obra?, si se modifica sustancialmente, ¿quién reclamará su autoría?
Otro aspecto que se destaca en las obras digitales corresponde a la denominada ?interactividad?, que en esta acepción, tiene que ver con la relación que el espectador logra establecer con una obra y, transitivamente, con su autor. Varios autores coinciden en su búsqueda de un feedback entre ellos y sus espectadores planteando esta temática en sus obras o, también, por medio de mensajes explicitados (el no a la guerra, por ejemplo) que intenten generar algún tipo de respuesta por parte de quien contemple la obra. Un reciente suceso, que adquirió mayor relevancia luego de ser recogido por los medios (Clarín, 25 de octubre de 2004), es el llamado "photoshop tennis" o "photoshop pong". Si bien se lo considera como un juego, su práctica consiste en crear y mandar por la red un diseño para que otra persona lo modifique y lo devuelva. Esta operación se repite sucesivamente y puede ser visitada mientras se "juega". Esta técnica evoluciona el desarrollo del arte digital hacia una mayor interactividad.
Podemos pensar también como este tipo de obras poseen mayor carácter de transmisión y creación que de objeto físico en sí y como, a su vez, más participación y contemplación activa que simple observación.
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Un claro ejemplo de interactividad como también de los beneficios que aporta el medio digital es el que se publicó en La Jiribilla (revista cubana) y del cual se transcribe una parte a continuación:
...Fuera, el ardiente sol pareciera incendiar la estrecha y empedrada calle Muralla de la vieja Habana que hace más de cien años frecuentaran los comerciantes de telas. Dentro, al abrigo del calor, y rodeado de cámaras, el artista superpone capas de imágenes, enmascara por ejemplo, la cabeza de una mujer, y le adiciona encima un rostro de hombre. Simultáneamente y a miles de kilómetros de distancia, ella, en Buenos Aires, crea nuevas mutaciones en esa misma obra y escribe:
-Saludos a las 100 personas que están viendo nuestro trabajo... aquí hay varias pantallas que atender al mismo tiempo, pero les envío este mensaje... Eduardo me está haciendo pasear por toda La Habana una semana después de que regresé...
-Te he metido en mi casa ?dice él y ubica la foto que ella recreara dentro de una estancia.
No es un dúo precisamente, hay un tercero, también distante, que en un lluvioso Río de Janeiro, habita en tiempo real con ellos, y se entromete:
- Envie imagem para todos.
Desde la refrescante oficina de Muralla, el habanero le responde al brasileño, usa su obra, le dibuja un sombrero y a su centro ubica un nombre: Meditation Digital.
-Guto te he mandado una apropiación pacifista, espero te tranquilice la expresión!!!
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El proyecto Aurora arte digital, de Colombia reflexiona sobre los cambios que trae consigo el desarrollo de las técnicas digitales y afirma que, al automatizar el imaginario del artista, se revalora la imagen del artista-ingeniero que representaba Leonardo Da Vinci. También da un paso más y propone la definición de "homo informaticus" (análogamente similar al ?homo videns? de Raffaele Simone) para caracterizar al hombre fascinado por la tecnología que, buscando la permanente interacción con la computadora, la convierte en una prótesis física y psíquica de su ser. Una de las ventajas que trae consigo la imagen digital es, para este grupo de artistas, la capacidad de poder ser trabajadas en tiempo real, con lo que se consiguen desarrollos que van la par de los pensamientos abstractos, veloces como esta generación que prefiere la dinámica que le propone el entorno digital.
Rodrigo Alonso (artista argentino), también destaca los cambios que la cultura digital trajo en las relaciones del hombre con el mundo que, gracias a las posibilidades ilimitadas que ofrece la tecnología, permite cuestionar las representaciones "objetivas" de la realidad para poder repensarla. Estas novedades siguen el camino iniciado por los medios masivos y los potencian.
Antecedentes del Arte Digital en Latinoamérica
Para introducirnos en las manifestaciones del arte digital latinoamericano debemos comenzar por reconstruir los orígenes de la expresión artística por medios digitales en nuestro país (y en el resto de Latinoamérica). Para ello subrayaremos, previamente, dos factores que, lo atraviesan y condicionan: el aspecto socio-económico y el estético-cultural. Sin hacer un excesivo desarrollo sobre el primero, podemos considerarlo ya que el acceso a las tecnologías que se necesitan para poder producir obras digitales es un tanto restringido en los países de nuestra región y, de algún modo, limitan a los artistas (esto de ningún modo es motivo de censura ya que el arte digital cosecha igualmente adeptos en todo el continente). En cuanto a los factores estético-culturales, moldean tanto la obra del artista como cualquier aspecto de nuestras expresiones, cultivadas en un contexto cultural propio (la "cultura argentina", la "cultura colombiana"), son experimentadas día a día, y por supuesto, dejan su impronta en las obras.
Las primeras señales de un interés por el arte digital en Argentina se remontan a fines de la década del sesenta cuando, invitada a participar en una exposición en Montreal en el año 1967, Marta Minujin, utilizó una computadora IBM para rastrear características comunes en un grupo de personas con el objetivo de que participen en una obra a la que denominó Circuit / Super-Heterodyne. También el Instituto Di Tella de Buenos Aires contaba con un laboratorio de sonido digital donde se lograron obtener importantes desarrollos en la experimentación sonora. Es en 1969, en la muestra Arte y Cibernética (Bs. As., Galería Bonino), donde, con la colaboración de artistas norteamericanos y japoneses, se expusieron obras de este tipo realizadas en el Centro de Cálculo de la Escuela ORT.
En Méjico, es Manuel Felguérez el precursor del arte digital. En 1973, presentó la exposición El espacio múltiple en el Museo de Arte Moderno. Allí seleccionó diseños a partir de los cuales integró un modelo que sirvió para alimentar una computadora con la cual creó otros diseños. Mediando la década, grupos con fuertes contenidos políticos (el No-Grupo, Suma, Proceso Pentágono) experimentaron con medios económicos (fotocopias, plantillas) para reproducir masivamente imágenes, éstos (sin utilizar procesos digitales), sentaron las bases estéticas y políticas que han influido en el actual desarrollo de arte digital mejicano. Los trabajos de arte digital individual, al igual que en la Argentina, crecen y se generalizan a partir de la década del noventa ganando espacios en instituciones y, de a poco, en el "mundo arte".
Por otra parte, la historia del arte digital en Cuba señala a 1986 como el año de la primera exposición en el país realizada en el Instituto Superior de Arte. A partir de ese momento, el público asistió a la delineación de proyectos de todo tipo, de aplicación a la interactividad entre las artes visuales, el diseño, la música y las imágenes holográficas virtuales.